La cantante es la primera colombiana con este reconocimiento. Descubrió su estrella en Hollywood.
La barranquillera Shakira recibió su estrella en el icónico Paseo de la Fama de Hollywood, un multitudinario homenaje en el que estuvo arropada por centenares de fans y también por sus padres Nidia Ripoll y William Mebarak (vea aquí las imágenes de Shakira en el Paseo de la Fama).

La múltiple ganadora de premios Grammy y Grammy Latino se mostró agradecida y emocionada de poder tener su nombre inscrito junto al de numerosos artistas de reconocido prestigio, algo que su madre ya predijo cuando era tan sólo una niña.

“Cuando tenía siete años vine a Los Ángeles por primera vez y recuerdo que paseaba por el Paseo de la Fama y recuerdo cómo mi madre me dijo ‘Shaki algún día vas a tener tu nombre aquí grabado’, yo creo que si alguien hubiera escuchado a mi mamá decir eso habría pensado que estaba delirando”, aseguró la intérprete.

Shakira se convirtió así en la primera persona de nacionalidad colombiana en conseguir una estrella en Hollywood, la número 2.454 de las que figuran las calles de la meca del cine, y dedicó ese logro a todos los que la han apoyado y en especial a la comunidad latina de EE.UU.

“Quiero compartirlo con ustedes por ese espíritu inquebrantable que nos caracteriza a los latinos, ese espíritu que sobrepasa todas las dificultades siempre con una sonrisa. Para ustedes es esta estrella. Yo creo que todos venimos al mundo con una estrella, con un talento y con un don y luego más adelante nacen los sueños”, manifestó.

La cantante de 34 años, que debutó en la música con tan solo 13, alcanzó la fama internacional en 1995 con “Pies Descalzos”, al que siguieron éxitos como “¿Dónde están los ladrones?” en 1998 y se lanzó en inglés con “Laundry Service” en 2002.

Entre sus temas con más alcance figura la canción oficial del Mundial de Fútbol de Sudáfrica 2010 “Waka Waka (This Time for Africa), “Hips Don’t Lie” y “La Tortura”, en el que contó con la colaboración de Alejandro Sanz. Tras posar junto a su estrella ante los numerosos fotógrafos y televisiones congregadas, Shakira dedicó unos minutos a atender a sus infatigables seguidores, algunos de los cuales llevaban esperándola desde la madrugada.

Rafael Escalona, Biografia
RAFAEL CALIXTO ESCALONA MARTINEZ, nació en Patillal, Cesar, el 27 de mayo de 1927. Fue el séptimo de nueve hermanos del hogar conformado por Clemente Escalona Labarces, coronel de la guerra de los Mil días, y Margarita Martínez Celedón.

Poco a poco fue recogiendo historias que serían la base de sus afamados vallenatos; el primero fue compuesto, en febrero de 1943, cuando apenas contaba 15 años; a él siguieron 85 composiciones más, melodías en las que no solamente se puede reconstruir su vida, sino también la del viejo departamento del Magdalena, aporte que le ha dado a la música vallenata hasta convertirla en carta de identidad de toda una región. Escalona ha recibido muchos homenajes, condecoraciones y ha sido diplomático, pero quizás el más grande fue el reconocimiento que su ‘primo’ Gabriel García Márquez le hizo cuando dijo que “Cien años de Soledad no era más que un vallenato de 350 páginas”.

Rafael Escalona Martínez tenía quince años cuando compuso su primer canto vallenato. Un lustro antes había viajado del pequeño municipio de Patillal (Cesar), donde nació el 17 de mayo de 1927, a estudiar en Valledupar. Amiguero y sentimental, la vida escolar fue para él un plato agridulce, como lo revelan muchos de sus cantos (“El hambre del Liceo”, “El testamento”, “El bachiller”). Terminada la primaria, entró al colegio María Concepción Loperena, un instituto de bachillerato fundado meses atrás.

Uno de los pocos estímulos que le ofrecía el Loperena, aparte de sus condiscípulos, era cierto maestro al que todos adoraban: el profesor Heriberto Castañeda. Este se preocupaba porque los muchachos no sólo aprendieran lecciones sino que crecieran como personas. Jugaba fútbol con ellos, procuraba interesarlos en las materias y participaba en sus reuniones y sus chistes. Sin embargo, al comenzar las clases de 1943, los alumnos se enteraron de una mala noticia: Castañeda había sido trasladado al Liceo Almirante Padilla, de Ríohacha.

Uno de los pocos estímulos que le ofrecía el Loperena, aparte de sus condiscípulos, era cierto maestro al que todos adoraban: el profesor Heriberto Castañeda. Este se preocupaba porque los muchachos no sólo aprendieran lecciones sino que crecieran como personas. Jugaba fútbol con ellos, procuraba interesarlos en las materias y participaba en sus reuniones y sus chistes. Sin embargo, al comenzar las clases de 1943, los alumnos se enteraron de una mala noticia: Castañeda había sido trasladado al Liceo Almirante Padilla, de Ríohacha. Escalona lamentó a su manera la partida del profesor. Había crecido escuchando a los campesinos y trovadores del Valle de Upar cuando interpretaban merengues, puyas, sones y paseos en las parrandas. Sabía, pues, que el que siente, canta. De modo que no encontró recurso más natural para despedir al maestro que componerle un paseo.

Son tres breves estrofas en las que se adivina ya la semilla que luego iba a desarrollar a lo largo de seis décadas -y las muchas, quiera Dios, que falten- en una obra que ha sido embajadora de Colombia en medio mundo. El paseo habla de los paisajes locales (“Cuando sopla el viento frío de la Nevada…”); de las tribulaciones del estudiante (“…que en horas de estudio llega al Loperena”); de prematuras nostalgias (“¡qué triste quedó el Loperena, qué tristes quedaron sus aulas!); y de sentimientos personales: El nos dijo adiós, porque se ha ido, y le dijimos adiós, pero que vuelva. “El profe Castañeda” fue el primer canto de Rafael Escalona. Su fecha exacta: febrero de 1943. Desde entonces ha compuesto unos noventa más, muchos de los cuales -”La casa en el aire”, “Elegía a Jaime Molina”, “La vieja sara”, “El Almirante Padilla”- conocen de memoria los colombianos de varias generaciones. La obra de Escalona es un mosaico pintoresco y lleno de gracia que narra las historias, las costumbres y chismes de su tierra, según ocurre en “La patillalera”, “La custodia de Badillo”, “El villanuevero”, “El general Dangond”… Pero también deja testimonio de sus amores y dolores, como en “La historia”, “Honda herida”, “La brasilera”, “Dina Luz”… Versificador preciso y compositor sorprendente, en sus mejores cantos aparecen dosis magistralmente medidas de humor y poesía.

Compositor típico y atípico
Las historias de Escalona salieron de Valledupar en los años cincuenta; sedujeron a los cachacos en los años sesenta; en los setenta fueron catalizador para que el vallenato se convirtiera en la música colombiana más popular; pasaron al repertorio internacional y a la televisión en los ochenta; y sirvieron en los noventa para producir impacto en el mercado de discos y conciertos de América y Europa, de la mano de Carlos Vives. Cantos suyos han sido interpretados por artistas y orquestas famosas de América y Europa. De algunos de ellos hay versiones en salsa, en música sinfónica y hasta en flamenco.

No quiere esto decir que Rafael Escalona sea el único compositor vallenato. Hay una constelación de nombres que también ha tenido su parte en el éxito de esta expresión folclórica como música de masas. Pero es el más famoso y uno de los más extraordinarios. Su biógrafa Consuelo Araujonoguera dice: “Es el más grande de todos. El que resiste todos los análisis que se le quieran hacer a sus cantos y todas las críticas que haya que formularle a su persona”.

Escalona, en todo caso, es un claro símbolo de la música vallenata. Mejor aún: un mito. Así lo reconoce “Cien años de soledad” al incluirlo con nombre y apellido entre los personajes de Macondo. Lo curioso es que algunas de las características de Escalona se apartan de lo que podría considerarse clásico o tradicional en el mundo del folclor del Cesar. A diferencia de los grandes acordeoneros que han tejido la historia de esta música, Escalona no toca ningún instrumento. En contraste con figuras como Alejo Durán, Leandro Díaz y Emiliano Zuleta, que han dado voz a sus composiciones, Escalona rara vez canta. Y, al contrario de los campesinos y vaqueros pobres y a menudo analfabetos que dieron bulto al género, Escalona procede de una familia adinerada y aristocrática. La típica familia que gozaba con las parrandas pero consideraba que hacer canciones era oficio de gente humilde.

Así había sido durante muchos años. La música vallenata nació en piso de tierra, producto de la sensibilidad de las tres razas que formaron la nación costeña: indios, blancos y negros. Puede decirse, esquemáticamente, que los instrumentos básicos del vallenato representan este mestizaje racial: el acordeón europeo, la caja africana y la guacharaca precolombina.

Antigua música de provincia
Resulta imposible precisar en qué punto exacto de la geografía del norte de Colombia surgió el vallenato. La región donde aparecen estos cantos abarcaba partes de lo que hoy son los departamentos del Magdalena, Cesar, Guajira, Bolívar y Sucre. Hasta hace medio siglo se la conocía como la Provincia de Valledupar y Padilla o, más familiarmente, “la Provincia”.

Seguramente la música de acordeón, que tuvo como evangelistas a la guitarra y la armónica, empezó a brotar en muchos puntos a la vez, ya que no fue obra de artistas sedentarios. Por el contrario, recorría el campo con los vaqueros, acudía a ferias con los campesinos, llevaba noticias de aquí y de allá con los primeros trovadores y juglares de la región. Más tarde se desarrolló en las colitas, juergas marginales que hacían los pobres en el patio de atrás del festín de ricos, y se reveló a muchos colombianos del interior que llegaron en los años veinte a trabajar en la Zona Bananera de Santa Marta. Fue música de parrandas, de desafíos, de fondas y de burdeles.

Cuando nació la radio en Colombia, por los años treinta, el vallenato fue uno de los primeros invitados a probar la magia del micrófono. Desde entonces su suerte ha estado vinculada a los nuevos medios de difusión del sonido. Ninguna expresión musical nacional ha vendido tantos discos en Colombia como el vallenato; la radio ofrece numerosas estaciones enteramente dedicadas a este género; el cine ha llevado a la pantalla a ídolos del canto vallenato, como Diomedes Díaz; y la televisión ha acogido también la popularidad de su cultura. La obra de Escalona, jusamente, inspiró una célebre telenovela que se transmitió a muchos países.

A medida que avanza su suceso, el vallenato ha ido ocupando entornos distintos: de la parranda a la caseta de feria, y de esta al concierto de estadio. Carlos Vives lo envolvió en una atmósfera contemporánea y lo condujo a donde no había podido llegar: los grandes sectores juveniles urbanos que eran pasto del rock.

Escalona es heredero de una sólida tradición que nació hace más de un siglo con el acordeonero José León Carrillo Mindiola, un joven de Atanquez (Cesar) a quien enviaron a España a mediados del siglo pasado creyendo adivinar en él honda vocación religiosa. La tenía, y honda, pero de parrandero. Muy pronto colgó las sandalias de lego y regresó a Valledupar armado de un acordeón con el que recogió las melodías que ya empezaban a sacudir el aire caliente en la flauta indígena o gaita.

A este patriarca sucedieron muchos compositores, incluídos el mítico Francisco el Hombre (Francisco Moscote), Sebastián Guerra, José Antonio y Germán Serna, Chico Bolaños, Alejo Durán, Luis Enrique Martínez, Samuel Martínez, Lorenzo Morales, Juancho Polo, Náfer Durán, Pacho Rada, Abel Antonio Villa, Calixto Ochoa, Julio Erazo, Rafael Campo Miranda y Carlos Huertas. Con Escalona comparten hoy el altar mayor cuatro compositores vivos: Leandro Díaz, Emiliano Zuleta, Calixto Ochoa y Adolfo Pacheco, músico enorme de la región de Bolívar donde el vallenato se acuesta con la cumbia. Hace un cuarto de siglo que el éxito del vallenato creó un mercado profesional de cantantes estrellas y acordeoneros de singular talento. Unos y otros son muchos y muy buenos como para intentar una lista incompleta en este breve e}piezas clásicas que de otro modo habrían permanecido olvidadas. Pero también, a instancias del boom comercial, surgió un tipo de vallenato deformado, falso, hueco y lacrimoso que ha sido el} Hombre.

Cuando se retiró del colegio sin haber conseguido el malhadado cartón de bachiller, Escalona se dedicó a la agricultura. Mujeriego, parrandero y hombre de pantalones – sobre los que brillaba a menudo una pistola calibre 45 con sus iniciales grabadas en la cacha-, sucumbió por fin al mandato matrimonial en 1951.

Marina Arzuega, su primera esposa, es la famosa Maye que aparece en muchos aires y Rosa María, la de “El manantial. Al cabo de vivir durante muchos años en su hacienda “Chapinero”, en las afueras de Valledupar, de formar parte del frente cívico y político que impul}ontaje del Festival Vallenato y de ser punto de referencia obligado para periodistas y visitantes ilustres, llegó el año de 1975 que provocó un giro radical en Escalona. En ese año se casó por}amá) como cónsul de Colombia. Empezó así una nueva etapa de su vida y su música. Luego de tres años en el cargo, regresó a Colombia. Pero ya no volvió a afincarse en Valledupar. Al principio diagonal a la Academia de la Lengua, a tiro de piedra de l iglesia de Las Aguas y a 700 metros de la Quinta de Bolívar.

Con el tiempo, este veterano cultivador de canciones y de arroz en zonas tórridas ha acabado por adaptarse a la capital. Viste siempre de paño oscuro, muy elegante, y usa guantes para protegerse del frío. Compone menos que antes – nunca ha sido muy prolífi}e a oc}s gremiales y a ratos coge los pinceles y pinta. Es coleccionista de navajas y amigo de sus amigos. Sigue siendo enamoradizo, sentimental y de lágrima floja. No hay hijo que no reconozca, ni whisky fino al que no le haga asco, ni mujer a la que le niegue un piropo, un verso o un canto improvisado del que luego no queda registro.

Más de una vez se ha desfiado a duelo con adversarios de ocasión, y algún ángel guardián lo ha salvado milagrosament}durante años le escamotearon; sigue siendo parrandero bueno; canta bajito y bien sus propios cantos, y silba melodías cuando está en trance de componer. Ha sido condecorado por varios presid}rsitarios y centro de muchos homenajes.

Tomado: De Daniel Samper Pizano

Fernando Botero Angulo, Biografía y Obra

Pocos artistas hispanoamericanos han logrado tanta repercusión a nivel internacional como el pintor y escultor colombiano Fernando Botero.

Su personalísimo estilo, que tiene entre sus rasgos más fácilmente identificables el agrandamiento o la deformación de los volúmenes, ha merecido la admiración tanto de la crítica como del gran público, que no puede sustraerse a la singular expresividad de una estética en la que las problemáticas humanas y sociales ocupan un lugar prioritario.

Nacido en Medellín en 1932, Fernando Botero fue el segundo de los tres hijos de la pareja formada por David Botero Mejía y Flora Angulo de Botero. Aunque en su juventud estuvo durante un corto lapso de tiempo en la Academia de San Fernando en Madrid y en la de San Marcos en Florencia, su formación artística fue autodidacta. Sus primeras obras conocidas son las ilustraciones que publicó en el suplemento literario del diario El Colombiano, de su ciudad natal.

A los 19 años viajó a Bogotá, donde hizo su primera exposición individual de acuarelas, gouaches, tintas y óleos en la Galería Leo Matiz, y con lo recaudado vivió algún tiempo en Tolú. De su estancia allí saldría el óleo Frente al mar, con el que obtuvo el segundo premio de pintura, consistente en dos mil pesos, en el IX Salón Anual de Artistas Colombianos. El crítico Walter Engel, en El Tiempo del 17 de agosto de 1952, encontró que tenía “una composición vigorosa, bien construida y bien realizada”, pero el escritor Luis Vidales lo criticó por su “inconceptual alargamiento de las figuras”.

Viajó entonces Botero a Europa, donde residió por espacio de cuatro años, principalmente en Madrid, Barcelona, París y Florencia. Aunque ingresó en las academias mencionadas, siguió formándose a base de leer, visitar museos y, sobre todo, pintar, como él mismo diría. Luego viajó a México, Nueva York y Washington en un período de febril creación y escasos recursos económicos, acompañado de su esposa Gloria Zea. De nuevo en Colombia, Botero compartió el segundo premio y medalla de plata en el X Salón de Artistas Colombianos, con Jorge Elías Triana y Alejandro Obregón. Su óleo Contrapunto fue alabado por los críticos unánimemente, por su alegría contagiosa.

La camera degli sposi obtuvo el primer premio en el XI Salón Nacional celebrado en septiembre de 1958. En esta obra Botero logró deshacerse de una lejana influencia del muralismo mexicano y dirigirse, sin titubeos y por medio de su admiración a los artistas del Renacimiento italiano, hacia la consolidación de lo que alguien llamó el “boteroformismo”.

El pintor había manifestado desde hacía cuatro años su admiración por el sereno monumentalismo de Paolo Ucello y por lo que Marta Traba llamó “un Renacimiento de piedra, por la concepción-bloque de las formas”, que también manejó Piero de la Francesca; en el Homenaje a Mantegna, la exacerbación de los volúmenes y la concreción o formas geométricas básicas (que Walter Engel relacionó con las esculturas precolombinas de San Agustín) lograron el nacimiento de una pintura “profundamente original, tan antibarroca como anticlásica, tan antiexpresionista como antiabstracta”, en palabras de Traba. De todas maneras, el premio en el XI Salón fue consagratorio.

Entre 1961 y 1973 fijó su residencia en Nueva York. Luego viviría en París, alternando su residencia en la capital francesa con largas estancias en Pietrasanta o su finca en el pueblo cundinamarqués de Tabio. Hacia 1964, Fernando Botero hizo sus primeras incursiones en el campo escultórico con obras como Cabeza de obispo, figura que, hecha en pasta de aserrín y con ojos de vidrio, tenía claras reminiscencias de la imaginería colonial barroca. A partir de 1975, en Pietrasanta, se dedicaría a la escultura con entusiasmo: “Parecía como si todo ese universo de figuras monumentales que fue desarrollando en la pintura -escribe Escallón- hubieran encontrado total eco en la tridimensionalidad. Hoy en día, la una alimenta a la otra. Gran parte de la riqueza imaginativa viene de la pintura, que le da ideas, soluciones, posibilidades… Botero desarticula la estructura pictórica para sintetizar la forma en una unidad escultórica”.

En 1977 expuso sus bronces por primera vez en el Grand Palais de París. Tras cuatro decenios de labor ininterrumpida, su reconocimiento en el campo escultórico se hizo también universal. Apoteósica fue la exposición de sus enormes esculturas en los Campos Elíseos en París durante el verano de 1992, y en el año siguiente en la Quinta Avenida de Nueva York, en Buenos Aires y en Madrid.

Convertido ya en uno de los artistas vivos más cotizados del mundo, Botero no ha dejado nunca, sin embargo, de alzar la voz contra la injusticia y de mantener su arte en línea con la realidad histórica y social. Sirve para ilustrarlo una de sus más recientes series pictóricas, la que realizó sobre las torturas cometidas por los marines en la cárcel iraquí de Abu Ghraib (2003), en el marco de la ocupación norteamericana de Iraq. Presentada en 2005 en el Palacio Venecia de Roma, la fuerza turbadora de esta colección de cincuenta lienzos atestiguó además que el pulso y la creatividad del artista no ha menguado en absoluto con los años.

Obra de Fernando Botero
Colombiana y universal, aparentemente ingenua y profundamente analítica, la obra del colombiano Fernando Botero ha merecido un reconocimiento unánime. Artista de formación autodidacta, en su pintura se pueden rastrear las influencias de su etapa florentina, especialmente en el recurso a modelos de inspiración renacentista (le influye la obra de Ucello y de Piero della Francesca). Mucho más acorde con su carácter y sus raíces, hay también en su obra una fuerte presencia de la pintura colonial y popular de la Colombia del siglo XIX, además de la influencia de la escuela muralista. En el esmero preciosista de su técnica pictórica se encuentra la presencia de los grandes pintores del barroco español y la fuerte personalidad de Goya.

El rasgo más peculiar de su personalidad creadora, que hace fácilmente reconocibles sus cuadros, es su particular concepción y expresión de los volúmenes: hace que las figuras protagonistas de sus lienzos sufran un agrandamiento que resulta desmesurado para el reducido espacio pictórico en que se las hace habitar. La imagen deformada que lleva su pintura al terreno de lo grotesco es el componente de humor crítico que expresan sus lienzos. Conjugando gigantismo y humor, sus monstruos sobrealimentados, de vientres hinchados y actitudes rígidas, son una crítica sarcástica a la sociedad actual. Por otra parte, esta pintura de lo feo se combina con un gran virtuosismo técnico, percibiéndose en el trasfondo de sus obras la pintura de Velázquez y de Goya.

Desde finales de la década de 1950, Botero fue “engordando” sus volúmenes y desalojando fondos y perspectivas ante el arrollador e incontenible ímpetu de aquéllos. Se vale de una pincelada cada vez más refinada y de un dibujo “pictórico” en cuanto moldea la forma en lugar de delimitarla, estableciéndose al mismo tiempo como un sensible y rico colorista. “Posteriormente, su pincelada -en un principio enfatizada y concreta, permitiendo entrever la estructura del cuadro- va haciéndose menos notoria, al tiempo que sus figuras, objetos y frutas van adquiriendo una opulenta sensualidad, no sólo con la amplificación sino con la aplicación cuidadosa y delicada del pigmento. Sus perspectivas son a veces arbitrarias, como lo es la escala de las figuras, que varía de acuerdo a su importancia temática y compositiva”, escribió Eduardo Serrano.

La polémica sobre lo feas y grotescas que pudieran parecer las figuras de Botero se ha ido disipando con los años. En cuanto a la cuestión caricaturesca, el pintor dijo: “Deformación sería la palabra exacta. En arte, si alguien tiene ideas y piensa, no tiene otra salida que deformar la naturaleza. Arte es deformación; mis temas son satíricos a veces, pero la deformación no lo es, pues yo hago lo mismo con las naranjas y los plátanos y no tengo nada contra esas frutas”.

Marta Traba, refiriéndose a la exposición en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, de 1964, dijo: “El mayor problema que plantea la muestra de Botero es el de la fealdad; es difícil de aceptar porque se refiere a una apariencia; está maltratando únicamente la superficie, el volumen o la dimensión normal de las cosas. No es una fealdad moral, de adentro, de contenidos, que traduciendo la esencia dramática del hombre llega a producir monstruos. Nada de eso: la fealdad de las figuras de Botero es lo que está, ni más hondo ni más lejos de lo que está. Se presenta como una invención enorme y mítica de formas nuevas, tan distintas a las reales que no aceptan con ellas compara

Gabriel García Márquez, Biografia corta.

BIOGRAFÍA
Gabriel José García Márquez nació en Aracataca (Colombia) en 1927. Cursó estudios secundarios en San José a partir de 1940 y finalizó su bachillerato en el Colegio Liceo de Zipaquirá, el 12 de diciembre de 1946.

Se matriculó en la Facultad de Derecho de la Universidad Nacional de Cartagena el 25 de febrero de 1947, aunque sin mostrar excesivo interés por los estudios. Su amistad con el médico y escritor Manuel Zapata Olivella le permitió acceder al periodismo.

Inmediatamente después del “Bogotazo” (el asesinato del dirigente liberal Jorge Eliécer Gaitán en Bogotá, las posteriores manifestaciones y la brutal represión de las mismas), comenzaron sus colaboraciones en el periódico liberal El Universal, que había sido fundado el mes de marzo de ese mismo año por Domingo López Escauriaza.
Había comenzado su carrera profesional trabajando desde joven para periódicos locales; más tarde residiría en Francia, México y España. En Italia fue alumno del Centro experimental de cinematografía. Durante su estancia en Sucre (donde había acudido por motivos de salud), entró en contacto con el grupo de intelectuales de Barranquilla, entre los que se contaba Ramón Vinyes, ex propietario de una librería que habría de tener una notable influencia en la vida intelectual de los años 1910-20, y a quien se le conocía con el apodo de “el Catalán” -el mismo que aparecerá en las últimas páginas de la obra más célebre del escritor, Cien años de soledad (1967). Desde 1953 colabora en el periódico de Barranquilla El nacional: sus columnas revelan una constante preocupación expresiva y una acendrada vocación de estilo que refleja, como él mismo confesará, la influencia de las greguerías de Ramón Gómez de la Serna. Su carrera de escritor comenzará con una novela breve, que evidencia la fuerte influencia del escritor norteamericano William Faulkner: La hojarasca (1955). La acción transcurre entre 1903 y 1928 (fecha del nacimiento del autor) en Macondo, mítico y legendario pueblo creado por García Márquez. Tres personajes, representantes de tres generaciones distintas, desatan -cada uno por su cuenta- un monólogo interior centrado en la muerte de un médico que acaba de suicidarse. En el relato aparece la premonitoria figura de un viejo coronel, y “la hojarasca” es el símbolo de la compañía bananera, elementos ambos que serían retomados por el autor en obras sucesivas.
En 1961 publicó El coronel no tiene quien le escriba, relato en que aparecen ya los temas recurrentes de la lluvia incesante, el coronel abandonado a una soledad devastadora, a penas si compartida por su mujer, un gallo, el recuerdo de un hijo muerto, la añoranza de batallas pasadas y… la miseria. El estilo lacónico, áspero y breve, produce unos resultados sumamente eficaces. En 1962 reúne algunos de sus cuentos -ocho en total- bajo el título de Los funerales de Mamá Grande, y publica su novela La mala hora.
Pero toda la obra anterior a Cien años de soledad es sólo un acercamiento al proyecto global y mucho más ambicioso que constituirá justamente esa gran novela. En efecto, muchos de los elementos de sus relatos cobran un interés inusitado al ser integrados en Cien años de soledad. En ella, Márquez edifica y da vida al pueblo mítico de Macondo (y la legendaria estirpe de los Buendía): un territorio imaginario donde lo inverosímil y mágico no es menos real que lo cotidiano y lógico; este es el postulado básico de lo que después sería conocido como realismo mágico. Se ha dicho muchas veces que, en el fondo, se trata de una gran saga americana. Macondo podría representar cualquier pueblo, o mejor, toda Hispanoamérica: a través de la narración, asistimos a su fundación, a su desarrollo, a la explotación bananera norteamericana, a las revoluciones, a las contrarrevoluciones… En suma, una síntesis novelada de la historia de las tierras latinoamericanas. En un plano aún más amplio puede verse como una parábola de cualquier civilización, de su nacimiento a su ocaso.
Tras este libro, el autor publicó la que, en sus propias palabras, constituiría su novela preferida: El otoño del patriarca (1975), una historia turbia y cargada de tintes visionarios acerca del absurdo periplo de un dictador solitario y grotesco. Albo más tarde, publicaría los cuentos La increíble historia de la cándida Eréndira y de su abuela desalmada (1977), y Crónica de una muerte anunciada (1981), novela breve basada en un suceso real de amor y venganza que adquiere dimensiones de leyenda, gracias a un desarrollo narrativo de una precisión y una intensidad insuperables. Su siguiente gran obra, El amor en los tiempos del cólera, se publicó en 1987: se trata de una historia de amor que atraviesa los tiempos y las edades, retomando el estilo mítico y maravilloso. Una originalísima y gran novela de amor, que revela un profundo conocimiento del corazón humano. Pero es mucho más que eso, debido a la multitud de episodios que se entretejen con la historia central, y en los que brilla hasta lo increíble la imaginación del autor.
En 1982 le había sido concedido, no menos que merecidamente, el Premio Nobel de Literatura. Una vez concluida su anterior novela vuelve al reportaje con Miguel Littin, clandestino en Chile (1986), escribe un texto teatral, Diatriba de amor para un hombre sentado (1987), y recupera el tema del dictador latinoamericano en El general en su laberinto (1989), e incluso agrupa algunos relatos desperdigados bajo el título Doce cuentos peregrinos (1992). Nuevamente, en sus últimas obras, podemos apreciar la conjunción de la novela amorosa y sentimental con el reportaje: así en Del amor y otros demonios (1994) y Noticia de un secuestro (1997). Ha publicado también libros de crónicas, guiones cinematográficos y varios volúmenes de recopilación de sus artículos periodísticos: Textos costeños, Entre cachacos, Europa y América y Notas de prensa.
Recientemente, la editorial Alfaguara ha publicado una completa biografía de Gabriel García Márquez, Viaje a la semilla, de Dasso Saldívar. Finalmente, a quien le interese la voz directa de García Márquez, podrá consultar el libro de entrevistas El olor de la papaya (1982). O, mejor aún, los sucesivos tomos que constituirían la extensa autobiografía del autor, Vivir para contarlo, cuyo ejercicio, según el propio García Márquez constituye, básicamente, una garantía para mantener “el brazo caliente” entre dos novelas.

Corte Constitucional reafirma igualdades religiosas
La Corte Constitucional declaró inexequible la ley 1402 de 2010, con la cual el Estado se asociaba a la celebración de los 60 años de la Diócesis del Espinal, Tolima, con la que se buscaba establecer a la Catedral del municipio como monumento nacional.

En esta decisión, el alto tribunal reafirma su jurisprudencia sobre la concepción de la Constitución Política de Colombia en la que se estableció un estado laico con igualdades religiosas, lo cual va en contravía con la creación de leyes para hacer “honores” a una fiesta cien por ciento católica.

Con el concepto de monumento nacional se buscaba además que el Estado destinará unos recursos económicos para remodelar la Catedral, “esto viola los principios de libertades religiosas y estado laico” los cuales están establecidos en la carta magna colombiana.

Colombia optará con dos candidaturas a Patrimonio Inmaterial de la UNESCO, que decidirá las nuevas incorporaciones a su lista desde el próximo día 15 en Kenia, según confirmaron fuentes oficiales en París.

Las músicas de marimba y cantos tradicionales del Pacífico Sur de Colombia y el Sistema Normativo de la Cultura Wayú son las propuestas que Colombia quiere que reciban el respaldo del comité de patrimonio de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO).

Este organismo examinará medio centenar de candidaturas procedentes de todo el mundo, entre las que se cuentan la cetrería y el flamenco o la dieta mediterránea.

Las nuevas propuestas intentarán pasar a formar parte de una lista donde Colombia ya inscribió el Carnaval de Negros y Blancos (2009), las procesiones de Semana Santa de Popayán (2009), el carnaval de Barranquilla (2008) y el espacio cultural de Palenque de San Basilio (2008).

La marimba es un instrumento de origen africano que, junto con los cantos tradicionales del Pacífico Sur de Colombia, busca recuperar el folclore de los descendientes de los esclavos negros en esa región del país, que padece un largo conflicto armado.

La protección del Sistema Normativo de la Cultura Wayú, aplicado por el Pütchikalü o “palabrero”, busca fortalecerlo mediante un proceso comunitario propio que consolide la autonomía y revitalice los contenidos del universo mítico-histórico de la etnia ancestral, originaria de la península de Guajira.

Colombia ya cuenta con los centros históricos de Cartagena de Indias y Santa Cruz de Mompós, los parques nacionales de los Catíos y de las Islas de Malpelo, y los arqueológicos de San Agustín y Tierradentro, inscritos en la lista de Patrimonio Material de la Humanidad.

Yo no vengo a decir un discurso’ tiene 22 textos en los que el Nobel desvela por qué empezó a escribir y cómo empezó.
En 1947 Gabriel García Márquez publicó su primer cuento en El Espectador.

Gabriel García Márquez considera los discursos “como el más terrorífico de los compromisos humanos” pero cree que pueden tener utilidad práctica. Así lo pone de manifiesto en ‘Yo no vengo a decir un discurso’, el libro donde ha reunido los textos que escribió con la intención de ser leídos en voz alta.

Un libro donde se reconoce la prosa llena de música, duende y alma del escritor colombiano, premio Nobel de Literatura, y que se publica seis años después de su breve novela ‘Memoria de mis putas tristes’.

En ‘Yo no vengo a decir un discurso’, que sale a la calle este viernes en España y Latinoamérica, publicado por Mondadori, García Márquez ha seleccionado veintidós textos que recorren su vida, desde el que escribió a los diecisiete años para despedir a sus compañeros del curso superior en Zapaquirá, en 1944, hasta el que lee en México ante las Academias de la Lengua y los reyes de España en 2007.

La poesía, la escritura, América Latina, el periodismo como el mejor de los oficios, el cine, el medio ambiente, sus amigos escritores o políticos, como el ex presidente de Colombia Belisario Betancur o el escritor Álvaro Mutis, son algunos de los temas de estas piezas literarias; porque es así como se pueden considerar a estos discursos o relatos impregnados de magia y sello personal.

En estas páginas el Nobel desvela por qué empezó a escribir y cómo empezó. “Yo comencé a ser escritor de la misma forma en que me subí a este estrado: a la fuerza”, dice el autor de ‘Cien años de soledad’.

Y esa aventura comenzó cuando el autor colombiano resolvió escribir un cuento “para taparle la boca a Eduardo Zalamea Borda”, quien había escrito que las nuevas generaciones de escritores no ofrecían nada.

Un cuento que el escritor mandó a El Espectador y que el periódico publicó un domingo a toda página, con una nota de Borda reconociendo que se había equivocado y que en ese cuento surgía el genio de la literatura colombiana.

Luego García Márquez reconoce que “el oficio de escritor es tal vez el único que se hace más difícil a medida que más se práctica”.

El libro recoge también el bello y comprometido discurso que el autor leyó al recibir el premio Nobel: “La soledad de América Latina”.

Una reivindicación, como escritor y como persona, de la singularidad de América Latina y en la que, en otras cosas, dice: “Por qué la originalidad que se nos admite sin reservas en la literatura se nos niega con toda clase de suspicacias en nuestras tentativas tan difíciles de cambio social?”.

Y continúa: “¿Por qué pensar que la justicia social que los europeos de avanzada tratan de imponer en sus países no puede ser también un objetivo latinoamericano con métodos distintos en condiciones diferentes?”.

También en su encendida defensa de la imaginación escribe que “América Latina es el primer productor mundial de imaginación creadora, la materia básica más rica y necesaria del mundo nuevo…”.

Del periodismo dice el autor que se aprende “haciéndolo”, que la buena primicia “no es la que se da primero sino la que mejor se da” o que la grabadora no es el sustituto de la memoria.

La publicación de ‘Yo no vengo a decir un discurso’ coincide curiosamente con la próxima salida, el 3 de noviembre, de la nueva novela de Mario Vargas Llosa, ‘El sueño del celta’, un acontecimiento cargado de espectación por la reciente concesión del Nobel al escritor peruano.

Así, estarán juntos en las librerías los dos libros de los escritores más representativos del llamado boom latinoamericano, igualados por el premio Nobel, grandes amigos de antaño pero con algún problema personal que les hace ahora irreconciliables, y con multitud de seguidores.

Lectores que se dividen por sus diferentes gustos y en muchas ocasiones se colocan como forofos de fútbol: o eres de García Márquez o de Vargas Llosa, por sus formas tan diferentes de escribir y ver el mundo.

En el pasado mes de Septiembre se llebó a cabo el lanzamiento musical del Salmista Jairo Medina de Nechí Ant.
Presentamos dos videos clip de esta producción musical cristiana.
Contactos: damep11@hotmail.com http://www.facebook.com/?ref=home#!/profile.php?id=1810527582 http://www.facebook.com/?ref=home#!/dagoberto.medina

Este nuevo libro del Premio Nobel de Literatura colombiano, que será publicado el próximo 29 de octubre en España y Latinoamérica, sale a la luz pública seis años después de la salida de su novela ‘Memorias de mis putas tristes’.

La editorial Mondadori informó que el libro recorre desde el discurso que escribió, a los 17 años, para despedir a sus compañeros que se graduaban en el Liceo de Zipaquirá, en 1944, hasta el que leyó en 2007 ante las Academias de la Lengua y los Reyes de España al cumplir ochenta años.

‘Yo no vengo a decir un discurso’, frase que eligió García Márquez como título de este libro, fue la advertencia que hizo a sus compañeros del Liceo desde las primeras líneas de aquel texto que data de 1944.

En ‘Como comencé a escribir’, pronunciado ya como exitoso autor de ‘Cien años de soledad’, en 1970, previene a sus oyentes de su aversión a hablar en público: “Yo comencé a ser escritor en la misma forma que me subí a este estrado: a la fuerza”.

En su tercer intento, al recibir el premio Rómulo Gallegos, en 1972, por “Cien años de soledad”, afirma el escritor que ha aceptado hacer dos de las cosas que se había prometido “no hacer jamás: recibir un premio y decir un discurso”.

Sin embargo, este rechazo cambiará diez años después, al recoger el Nobel de Literatura y tener que escribir el discurso más importante al que puede enfrentarse un autor. El resultado fue ‘La soledad de América Latina’, considerado una obra maestra, por lo que desde entonces los discursos se vuelven parte de su vida.

Estos textos, en su mayoría inéditos, no solo sintetizan sus obsesiones como escritor, según Mondadori, sino que recogen asuntos que le han preocupado como ciudadano, como los problemas de su Colombia natal, la proliferación nuclear o los desastres ecológicos, incluso el futuro de la juventud y la educación en América Latina, entre otros muchos. La lectura de estos textos, dispersos u olvidados, ha llevado a García Márquez a comentar: “leyendo estos discursos redescubro cómo he ido cambiando y evolucionando como escritor”.

Luchito Daza, es el nuevo Rey Vallenato 2010

Sergio Luis Rodríguez (Rey del 2009), dirigió una pequeña ceremonia simbólica en la que le entregó el acordeón al nuevo Rey, ‘Luchito Daza’.

En el mismo espíritu acordeonero, con música de fondo, el rey 2009 y el nuevo soberano caminaron hacia los extremos del escenario y cerraron el espectáculo con un conmovedor abrazo.

Durante la noche, los jurados entregaron el título de rey aficionado a Carlos Alberto Torres Arroyo de Caucasia (Antioquia), que ya había sido rey infantil.

‘La última historia’, de Lázaro Alfonso Cotes Ovalle es la canción inédita del Festival de la Leyenda Vallenata 2010.

El nuevo rey infantil del vallenato se durmió en el coliseo esperando su corona

José Gustavo Gómez Molina, de 13 años interpretó ‘El general Dagond’, de Rafael Escalona.

José Gustavo Gómez Molina, de 13 años, estaba dormido sobre una silla del Coliseo del Parque de la Leyenda, cuando su madre lo despertó para decirle que era el nuevo rey vallenato infantil.

Eran las 4:30 de la mañana, recuerda el niño que esperaba el fallo desde mucho antes de la media noche, cuando la final de acordeoneros infantiles dio paso a la final de juveniles.

Gómez Molina había interpretado cada aire vallenato, cumpliendo con interpretar una canción de Rafael Escalona, El general Dagond. Había esperado con paciencia el fallo, aún cuando la final de la categoría juvenil fue interrumpida en la mitad porque era hora de darle paso a Marc Anthony, alrededor de la medianoche.

Se esperaba que al terminar el show de Anthony, se diera a conocer al menos el fallo de acordeoneros infantiles. Sin embargo, lo que siguió fue la continuación de la final de juveniles y las presentaciones de otros artistas.

A las 3 a.m. gran parte del público había empezado a marcharse, aún cuando faltaba el resto del cartel de artistas anunciados y Gómez cayó dormido sin saber que era ya el nuevo rey vallenato. A esa hora también se supo que el nuevo rey juvenil es Daniel Holguín Ricardo, que durante la final venció a la única reina vallenata que han tenido las competencias de acordeoneros: Yeimi Arrieta Ramos, que fue reina infantil hace un par de años (2007) que ahora saltó a una nueva categoría.

La corona infantil de Juan José Gómez es un nuevo triunfo para la Escuela de Niños Cantores y Acordeoneros de Andrés ‘El Turco’ Gil. Precisamente, el orgulloso maestro -cuyos alumnos ya han empezado a colonizar la corona profesional- dijo que desde el primer día en que vio llegar a Gómez, supo que tenía madera de rey. “El papá mismo me llamó esta mañana y me dio las gracias diciéndome: ‘Usted me dijo: En dos años es rey y aquí está dos años después”.

Al explicar su predicción, ‘El Turco Gil’ dijo que cuando un nuevo niño llega a su escuela lo pone a tocar y no es difícil descubrir si lo que interpreta se lo aprendió “como un lorito” o no. “Desde el día en que lo vi, me recordó a Abel Antonio Villa, agregó ‘El Turco’. Porque Villa fue uno de los acordeoneros más elegantes para tocar el acordeón”. Actualmente, alumno y maestro trabajan precisamente en la expresión corporal a la hora de ejecutar el acordeón.

Crítica de un visitante

Alberto Betancourt vino por primera vez a vivir el Festival Vallenato y aspectos como la demora en el cumplimiento de la programación de la noche del 30 de abril, en el Parque de la Leyenda lo tienen desconcertado: “Compré la boleta pensando en ver a Marc Anthony, pero también en ver tocar a Jorge Oñate y no me advirtieron que debía esperar a que dieran las 4 a.m., me salí a las 3, dijo. Como visitante, uno compra la boleta por el espectáculo central, pero la demora en la presentación del concurso nos impidió ver a otros artistas. Si hubiera sabido que debía esperar a Oñate hasta las 4, no hubiera pagado. Deberían hacer respetar los horarios del concurso (debió empezar a las 7, pero arrancó a las 9) o advertir que la programación puede demorarse hasta la mañana”.